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Hymne aux Fleurs-Cinq Chef-Œuvres au Musée d’Orsay

Le poète romantique Novalis a écrit un jour que “le monde des fleurs est un infini lointain”.
Les fleurs, cadeau de la nature, ont été appréciées, dotées de sens et de sentiments à travers les âges.

Au XIXe siècle, l’époque du réalisme et de l’impressionnisme, les peintres réduitent la dépendance aux sujets historiques, religieux ou mythologiques et commencent à se concentrer sur le quotidien le plus proche de nous, et la peinture de natures mortes devient de plus en plus populaire, notamment les fleurs.

Entrez dans le musée d’Orsay à Paris, le trésor d’art moderne occidental, et écoutez l’hymne aux fleurs.

 

《Il avoue, dans une atmosphère qui hésite entre la rêverie et le fantasme, l’appel introspectif et l’évolution d’un monde intérieur.¹》

Gustave Courbet
Branche de pommier en fleurs
En 1872
Huile sur toile
H. 32,2 ; L. 41,0 cm.
Donation Kaganovitch, 1973
© RMN-Grand Palais (Musée d’Orsay) / Hervé Lewandowski

Gustave Courbet(1819-1877) ,le chef de file du réalisme français, est une couleur indomptée dans l’histoire de l’art occidental. Fidèle à ce qu’il a vu de ses propres yeux, refusant de le blanchir, il utilise son pinceau avec un regard critique pour pointer les réalités de la société.

Pendant la guerre franco-prussienne, son caractère radical le pousse à rejoindre la Commune de Paris, mais le mouvement échoue rapidement, ses ambitions politiques sont contrariées et il est emprisonné à Sainte-Pélagie en septembre 1871.

La période d’emprisonnement était banale et misérable, et il perdit la matière et l’inspiration dont dépendait la vie de l’artiste. Sur le conseil de sa famille, Courbet commence à se consacrer à l’univers de la nature morte. Les fruits et les fleurs étaient peut-être la seule douceur et la seule arôme de cette période sans lumière.

Six mois plus tard, il retrouve sa liberté et retourne à Ornans au printemps, son pays natal, lorsque les fleurs de pommier sont en pleine floraison.

La branche de pommier en fleur s’inscrit dans la continuité de son style de peinture habituel, avec une toile terne et tachetée et une palette sobre et solennelle, égayée par quelques grappes de fleurs blanc ivoire et mise en valeur par les feuilles vertes et les fruits rouges, tantôt riches, tantôt fanés.

En effet, Courbet avait déjà réalisé une vingtaine de natures mortes en 1862-1863, alors que son style était encore décoratif du Second Empire. Alors qu’il arrive à la fin de sa vie, ses fleurs traduisent un nouvel état d’esprit. L’inscription “St Pélagie” dans le bas droit – le nom de la prison dans laquelle il était alors emprisonné, et la antidatation² – fait allusion, à la manière de Vanitas et Memento mori, à son insistance sur la Commune dans sa monde intérieure.

La fleur de pommier, qui devient plus blanche dans l’obscurité de l’espace, peut aussi être l’incarnation de la conviction de Courbet.

1:L.C., citation in Gustave Courbet [exposition,]
2:peint en 1872 et antidaté 1871.

 

《Moi je fais des fleurs. Il faut profiter du moment et cette année je les trouve encore plus belles que jamais.》

Henri Fantin-Latour
Chrysanthèmes dans un vase
En 1873
Huile sur toile
H. 62,7 ; L. 54,0 cm.
/ DR

Henri Fantin-Latour(1836-1904),un artiste français du XIXe siècle, spécialisé dans la peinture florale et le portrait. Après une première période de réalisme, l’œuvre de Fontaine prend progressivement une dimension symbolique, l’année 1873 marquant un tournant.

Après qu’une série de portraits ait été défavorisée par le Salon, il s’engage dans une nouvelle phase, se consacrant à la forme plus pure- la nature morte. Tout au long de l’été, il passe son temps dans son atelier à arranger divers bouquets et vases et à les représenter.

En observant ce tableau, nous constatons que, bien que la forme reste classique et le ton discret, il y a un soupçon de symbolisme dans le travail de pinceau. La combinaison de magnifiques arrangements floraux violets, jaunes vifs et blancs unis donne une composition échelonnée, avec les pétales des Chrysanthèmes recourbés et étirés dans un détail méticuleux ; mais les vases en porcelaine bleu et blanc qui sont sur le point de se fondre dans le fond, et les tons généraux gris-brun qui ajoutent à l’atmosphère brumeuse de l’ensemble de l’œuvre.

C’est comme si nous pouvions voir le dos de Fantin, peint des fleurs dans un coin de son atelier, le phonographe à côté de lui jouant une mélodie délicate, un temps calme et parfumé.

 

《En dehors de la peinture et du jardinage, je ne suis bon à rien. Mon plus beau chef-œuvre, c’est mon jardin.》

Claude Monet
Nymphéas bleus
Entre 1916 et 1919
Huile sur toile
H. 204,0 ; L. 200,0 cm.
© Musée d’Orsay, Dist. RMN-Grand Palais / Patrice Schmidt

En 1890, à Giverny, Claude Monet(1840-1926) achète une villa et le terrain qui l’entoure et plante des rangées de nénuphars, de myosotis, de tubéreuses, de roses… Il a achevé son jardin de rêve. Le plus extraordinaire d’entre eux était le bassin de près de 3 000 mètres carrés, dans lequel poussaient doucement des nymphéas.

Dans ses dernières années, Monet s’est contenté dans son univers, du printemps à l’hiver, du lever au coucher du soleil, capturant les traces fugaces de lumière et d’ombre sur les nymphéas et les figeant pour l’éternité sur la toile.

Quand une chose est étudiée à l’extrême, on peut toujours sentir ce qui se cache sous la surface. Cézanne peignait le mont Saint-Victor année après année, les montagnes sur la toile étaient progressivement déconstruites et brisées en morceaux géométriques, tandis que Monet représentait les nymphéas jour après jour, et le jeu d’ombre et de lumière était développé jusqu’au sommet, s’abstrayant du figuratif.

Ces nymphéas bleus se concentre sur un étang partiel, le reflet du saule pleureur et les feuilles de lotus flottantes horizontales sont vaguement reconnaissables comme une composition classique verticale et horizontale, quelques points de fleurs roses et blanches animent la toile, mais la teinte bleue profonde comme la mer et l’espace blanc irrégulier sur les bords donnent un sentiment d’infini et d’illimité.

Comme être inspirés, les coups de pinceau du peintre sont si courts et sans fioritures, tou comme les images qui défilent dans notre cerveaux.

Devant ce tableau de deux mètres de haut, combinez et traitons les couleurs en face, les reconstituez dans l’esprit, les magnifiez à l’infini et entrez dans le monde de Monet.

 

   《Plus j’y réfléchis, plus je sens qu’il n’y a rien de plus réellement artistique que d’aimer les gens. 》                                                                                                                                                                                   ——Lettre à Théo

Vincent Van Gogh
Fritillaires couronne impériale dans un vase de cuivre
En 1887
Huile sur toile
H. 73,3 ; L. 60,0 cm.
Legs du comte Isaac de Camondo, 1911
© Musée d’Orsay, Dist. RMN-Grand Palais / Patrice Schmidt

À l’année de 1886, Vincent van Gogh(1853-1890) est arrivé à Paris. Il est profondément attiré par cette ville de fête, où naît l’art le plus avant-gardiste de l’époque et où se rencontrent les artistes les plus célèbres. Influencé par les couleurs des impressionnistes et les théories des techniques émergentes, la palette de Van Gogh passe du gris et monotone au lumineux et éclatant, et il produit près de deux cents tableaux en seulement deux ans à Paris.

Fritillaires couronne impériale dans un vase de cuivre, était le cadeau de cour de Van Gogh à l’épouse d’une propriétaire( Segatori ) italienne de Café Le Tambourin . N’ayant pas d’argent à dépenser, le jeune homme a sorti ses peintures les plus chères et son cœur chaleureux et romantiquement “planter des fleurs qui vivront éternellement” dans son Café, décorant Le Tambourin avec d’autres bouquets peints pour créer un jardin artificiel.

Dans ce tableau, Van Gogh pratique les règles du néo-impressionnisme, avec les couleurs contrastées du bleu et de l’orange, la table en bois et le motif des murs appliquant les techniques du pointillisme ; le bronze du vase ajoute de la texture à l’ensemble de l’œuvre, se reflétant sur les pétales jaune vif, la table en bois marron et le papier peint bleu et vert, scintillant. Peut-être que dans ce tableau nous pouvons déjà entrevoir certains traces de la nuit étoilée et les tournesols.

 

《Je couvre les murs d’une salle à manger de fleurs, fleurs de rêve, de la faune imaginaire.》

Odilon Redon
Frise de fleurs et baies,Frise de fleurs, marguerite rose
En 1901
Huile, détrempe, fusain et pastel sur toile
H. 35,3 ; L. 163,7 cm.
© Musée d’Orsay, Dist. RMN-Grand Palais / Patrice Schmid

Odilon Redon(1840-1916),est un artiste symboliste talentueux de la fin du XIXe siècle qui utilisait divers supports pour parfaire ses œuvres, tels que le fusain, les lithographies, les pastels et les huiles.

Baron Robert de Domecy (1867-1946) est l’un de ses principaux mécènes à partir de 1893, et entre 1899 et 1901, à sa demande, Redon réalise un ensemble de quinze panneaux décoratifs pour le château qu’il vient de construire dans l’Yonne.

Redon a créé un espace naturaliste irréaliste : des pampres de vigne poussent au hasard, des fleurs fantastiques vagabondent sur la toile, et la palette est harmonieuse et élégante ; le mélange d’huile, de détrempe, de fusain et de pastel, avec des couleurs tantôt douces, tantôt chatoyantes, renforce le symbolisme.

Dans une transe, les fleurs clignotent et les plantes respirent doucement.

 

Bibliographie:

-Lemoine, Serge. La Peinture Au Musée D’Orsay. Paris: La Martinière Musée D’Orsay, 2004. Print.

-Des Cars, Font-Réaulx, Tinterow, Font-Réaulx Dominique De, and Tinterow Gary. Gustave Courbet [exposition,] Galeries Nationales Du Grand Palais, Paris, 13 Octobre 2007 – 28 Janvier 2008, The Metropolitan Museum of Art, New York, 27 Février – 18 Mai 2008, Musée Fabre, Montpellier, 14 Juin – 28 Septembre 2008. Paris: Réunion Des Musées Nationaux, 2007. Print.P417-421

-LAURE D., Fantin-Latour à Fleur De Peau [exposition, Paris, Musée Du Luxembourg (Sénat), 14 Septembre 2016-12 Février 2017, Grenoble, Musée De Grenoble, 18 Mars-18 Juin 2017]. Paris: Réunion des Musées Nationaux-Grand Palais, 2016. P40-43, P130-131

-Bourniquel, Camille. Van Gogh. Paris: Hachette, 1968. Print. Génies Et Réalités.

https://www.musee-orsay.fr

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